Anna Lopez Pujal 2017:

Heidi Wallaeys' canvasses show us images of an ephemeral
nature : the capricious flight of birds, the soft falling of snow,
hesitant still waters, mountains frozen in the absence of wind,
the scintillating light of a summer sun or the shadow of a tree
disappearing in the night. The vast and ethereal outdoor
landscapes of freedom and infinity evoke an inner space, one
without the limits imposed by our existence. In that space, the
promise of the intimate and veiled but boundless landscape of
our thoughts, our feelings and our imagination, unfolds. The
artist calls this in one of her paintings 'the sky in my mind',
quoting Virginia Woolf. Likewise, this tangible spaciousness
suggests the unbridgeable distance that separates us, it depicts
the difficulty to find each other.

Colour, very present in Heidi Wallaeys' work, is never neutral.
Limpid turquoise, wavering purple-blue, vibrant yellow, some
sumptuous pinks as well as white and black appear on
monochromatic surfaces, always applied in subtle shades and
transparencies. With some brushstrokes, lines or stains and
simple means of expression, the painter achieves to create
scenes which bring to mind the concision of the Japanese haiku.
This association is not arbitrary, since one of her references is
the beautiful 'the book of tea' by Okakura Kakuzo, an aesthetical
guide and a philosophy for life.

Heidi Wallaeys' whole artwork originates from a real need and
from a definite vision on the world. As well as her paintings, her
drawings and her prints – which seem miniatures out of
antiquarian books – claim something we nowadays often lack :
delicacy.

Anna Lopez Pujal


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Patrick Bellier 2010:

Autour de quatre tableaux récents de Heidi Wallaeys

Sur une peinture aussi dépouillée d'apparence que son contenu est profond, l'oeil naïf pourrait butter. Qui connaît les
tableaux anciens de Heidi Wallaeys pourrait, lui, en regretter l'abord aisé, aujourd'hui disparu.

Aux uns comme aux autres on proposera ici un jeu, né autant de l'examen d'oeuvres récentes que des précisions
apportées à cette occasion par l'artiste, plus d'ailleurs sur sa technique que sur ses intentions.

Ce jeu (des savants diraient : cette dialectique) auquel nous invitons donc chacun face à ces quatre huiles se joue entre
le fond du tableau et son premier plan. En effet le décor chez Heidi Wallaeys est en apparence un fond, et son sujet
semble posé, sur ce fond relativement uni, en un premier plan qui s'en détache, le fond semblant mettre le sujet en
valeur, le projeter au premier plan. Notre exercice va nuancer, voire contredire cette apparence.

En entrant dans le jeu entre le fond et le premier plan-qu'un regard sensible ou savant percevra, pour s'en enchanter,
sans avoir besoin de notre petite clef-l'oeil suivra en quelques maniére le processus accompli par la main du peintre,
les propos de celle-ci ajoutant les notions d'ordre suivi et de vitesses opposées qui finiront d'éclairer les tableaux.

Un dernier point est à signaler avant de détailler notre exercice, la disparition dans le 'sujet' des tableaux non du vivant
mais bien de l'animal et de l'humain, au profit du seul végétal.

Si, donc, le premier plan du tableau est végétal, le fond n'est pas un fond : l'arbre décharné tracé dans le grand carré où
ses contours charbonneux sont mal contenus par les dimensions pourtant impressionnantes du tableau, cet arbre
s'écartèle sur un fond gris, épais et lourd, voile quasi uniforme de ciel plombé comme le sont les plus sombres des ciels
d'hiver ; des trois tableaux rectangulaires, de dimension semblable et plus modeste – qui font manifestement série – les
fonds allant, de l'un à l'autre, du vert au jaune génèrent deux denses feuillaisons et une touffeur d'herbes où couleurs et
formes s'accouchent depuis la profondeur liquide du fond, gommant ainsi quasiment le distinguo premier plan fond du
tableau, comme si l'on était plongé ici dans un haut herbage, là dans un profond feuillage.

Le peintre précisera alors que cette impression d'un jeu entre fond et premier plan recoupe les étapes de l'élaboration
de ces tableaux : le fond, qui vient d'abord, est travaillé longuement, des heures, parfois des jours, en plusieurs couches
dont l'accumulation, les mouvements, persistent peu ou prou ; le premier plan, lui, vient à la fin, quand le fond l'autorise
– ou au mieux le génère – et cette phase terminale est aussi rapide que l'autre fut lente, Heidi Wallaeys disant d'ailleurs
qu'elle 'peint' ses fonds mais qu'elle 'dessine' ses premiers plans, alors même qu'ils sont le plus souvent tracés au pinceau.

Quant au choix exclusif du végétal pour 'sujet' de ses tableaux, le peintre dit d'une part avoir renoncé à rendre une
présence animale ou humaine si changeante et si complexe qu'elle ne pourrait la fixer sur ses toiles, d'autre part
trouver dans le végétal une perfection qui de plus en plus l'émerveille.

Ce choix m'apparaît – en plus de ce qu'en ressent H.W. – tenir certes au caractère lent de la vie végétale, mais aussi à
ce que cette lenteur a de cyclique, lié à la succession des saisons et ainsi à un équilibre profond du monde. Ceci me
semble rejoindre le rythme où, dans ses tableaux, le premier plan surgit de son fond pour venir ensuite vibrer à son
écho : on est là dans le caractère tellurique, pour ne pas dire mystique, d'une héritière des primitifs flamands.

Dans un petit livre sur Morandi, Philippe Jaccottet rappelle pour évoquer l'oeuvre du vibrant peintre italien – devant les
bols, cafetière ou bouteille de lait peints obstinément toute sa vie, posés sur la table de sa cuisine devant un fond
crémeux et avec un relief merveilleusement épais – que les Allemands, là où nous parlons de 'natures mortes', disent
des 'vies silencieuses'.

Ces ustensiles du petit déjeuner, rituellement ou hâtivement posés par chacun chaque matin, Giorgio Morandi aura
écouté toute sa vie leur silence modeste comme leur présence obstinée : là vibrait la promesse de la journée qui
commence, là se répétait l'humble rituel qui rythme toute vie.

H.W. acceptera cet illustre et modeste parrainage, elle qui fuit le mot Art mais capte avidement avec ses créations un
peu de la beauté et du bonheur qu'elle offre ainsi au spectateur de ses tableaux, lesquels vibrent de sa célébration
d'une Nature ( cette majuscule-là, elle l'approuvera) dont la vie frémit sous l'immobilité et le silence du végétal.`

Dans le feuillage ou l'herbage frissonnants comme dans la branche tendue vers le ciel vibre un monde que le fond du
tableau – d'où cette vibration est née – renvoie vers le spectateur en un fervent et secret message.


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Hugo Brutin 2006:

In het werk van Heidi Wallaeys
Vloeien schilderen en tekenen in elkaar
Op vaak verrassende maar ook steeds overtuigende wijze.
Elk van de twee technieken
Bereikt bij wijlen in wat zij hier toont
Een moment van intens aanwezig zijn
Om dan weer in de dubbelzinnigheid
Van het samenvloeien van de twee uit te monden.

Wat al meteen frappeert
Is de bijzondere uitstraling die een lijn bezit,
Een toets van kleur,
Een vlek van zwart die plots een herkenbaar lichaam wordt,
Dat van een kip, een hond,
Een slapende kat, een tak van grillig raffinement.
Een toonbeeld van haar harmonieus
En welsprekend samengaan van schilderen en tekenen
Is het grote doek in het centrale deel.
Het omvat zowat alle ingrediënten
Van de eigenheid van Heidi Wallaeys
Die duidelijk aandacht heeft voor dieren en plantengroei,
Voor de eenvoudige en vanzelfsprekende elementen
Of aanwezigheden van haar onmiddellijke omgeving.
Zij plaatst er toetsen die meer vertellen
Dan hun omvang en hun uiterlijke verschijning.

Zij bewijst er ondermeer hoe zij kan ordenen
En vanuit een beperkte beeldtaal
Een gevoel van volheid kan creëren,
Wat in kleinere werken minder aan bod kan komen,
Omdat alle aandacht dan natuurlijk
Naar een enkel beeld, naar een enkele emotie gaat :
Een hond met een meewarige blik,
Kippen die een en al nervositeit zijn,
Zwarte vlek van inkt in een oase van wit
Of een andere keer dikke wolk van witte pluimen
Met een klein zwart kopje
In een verbaasd toekijkend blad wit papier,
Netwerk van grillige takken al dan niet met kleur.

De spreuk die ons destijds werd voorgehouden,
Namelijk 'in der Beschrenkung zeigt sich erst der Meister'
Lijkt mij hier heel toepasselijk.
Er is echter naar mijn gevoel meer dan dat,
Niet dat dit een uitgesproken statement zou zijn,
Maar het gaat hier toch wel over een duidelijke keuze
Die echter geen exclusieve keuze is
Want naast schilderijen
Die in feite met een penseel getekende zwart wit taferelen zijn,
Stelt de kunstenares ook kleur voor,
Portretten van haar dochter
In drie verschillende tinten
En zelfs een abstract werkje in schakeringen van rood

Toch frappeert en intrigeert ons wellicht het meest
Haar zwart wit interpretatie
Van kinderen op een schommel, van takken,
Van rozen van bovenaf bekeken
Als een kluwen van lijnen
Die geordend zijn en tegelijk grillig,
Los en toch aan een duidelijke schikking gehoorzamend.

Heidi Wallaeys heeft zich duidelijk bevrijd
Van gangbare en voor de hand liggende normen en wetten
En overstijgt aldus het catalogeren,
Het onderbrengen in een vast en strak keurslijf
Waarbij het vanzelfsprekend lijkende onderscheid
Tussen bijvoorbeeld tekenen en schilderen is vastgelegd.
Haar keuze die, bij nader toezien,
Toch een niet geringe diversiteit vertoont,
Kan blijkbaar hoofdzakelijk worden verklaard
Door een spontaan ingaan op de behoefte
Om vast te leggen wat haar boeit
En wat zij door te kijken meteen beeldend interpreteert.
Dat lijken op de eerste plaats bomen te zijn
En planten naast dieren van elke dag.

Naast het thema lijkt echter ook de gedachte belangrijk
En die heeft met eenvoud te maken
En met wat Fernand Bonneure omschrijft
Als poëzie die meer oproept dan zij toont.

In onze kijk op de beeldende kunst
Zijn de meesten onder ons
In vrij grote mate beïnvloed en gecharmeerd
Door wat met expressiviteit te maken heeft,
Met uitbundige zwier, kleur en verf,
Wat tot enige verrassing of zelfs ontreddering kan leiden
Wanneer wij geconfronteerd worden
Met bijvoorbeeld een schilderij
Waarin het lineaire primeert en de verf totaal afwezig is.
Het vergt inderdaad even wennen,
Maar het doet een ander,
In enige mate vernieuwend bewustzijn ontstaan.

Vanuit de beperking van de middelen bereikt men vaak
Een veel grotere graad van expressie
En dat geldt niet alleen voor de beeldende kunst
Maar ook voor het gehele maatschappelijke bestel.
Dat is echter een ander probleem.
Heidi Wallaeys doet ons wel,
Zij het dan wellicht onbewust,
Nadenken over het overtollige en het essentiële
Over een uitgesproken sensatiedrang
Die onze huidige beeldtaal teistert
En over de uitstraling of de impact van het beeld
Dat echt niet steeds wereldschokkend moet zijn,
Agressief of storend om zijn plastische rol te vertolken.

Het is een van de verdiensten van de kunstenares
Aandacht te vragen voor de esthetiek
Van de alledaagse dingen
Door eenvoud op een eenvoudige wijze te verheerlijken
Met een zuivere lijnvoering,
Een suggestieve vormentaal
En een ritmiek die eigen is aan pure en ongekunstelde poëzie.


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Hugo Brutin 2006

Dans l'oeuvre d'Heidi Wallaeys,
Peinture et dessin se confondent.
Souvent surpris, nous sommes toujours
Gagnés par la conviction.
L'une et l'autre techniques
Atteignent, dans ce qu'elles nous montrent,
Un moment d'intense présence,
Pour à nouveau se confondre
Dans l'ambiguïté.

Nous sommes immédiatement frappés
Par le rayonnement particulier de chaque ligne,
Par une touche de couleur,
Une tache noir qui se transforme soudain
En un corps identifiable,
Celui d'une poule, d'un chien, d'un chat qui dort,
D'une branche d'une délicatesse fantasque.
La grande toile dans la piéce centrale illustre bien
La cohésion harmonieuse et éloquente
De ses peintures et dessins.
Elle rassemble à peu prés tous les ingrédients
Qui font l'individualité d'Heidi Wallaeys.
Son attention se porte clairement sur la faune et la flore,
Sur les choses et les présences simples et évidentes
De son environnement immédiat.
Elle y dépose des coups de pinceau qui en disent plus
Que leur apparence ou leur taille.

Elle y révèle sa capacité à agencer les choses
Et à créer un sentiment de plénitude
À partir d'un language imagé limité.
Ce qui ressort moins des plus petites oeuvres,
Où toute l'attention se porte naturellement
Sur une seule image, sur une seule émotion :
Un chien au regard compatissant,
Des poules toute de nervosité,
Une tache d'encre noir dans une oasis de blanc
Ou encore un épais nuage de plumes blanches
D'où émerge une petite tête noire
Sur une feuille de papier blanc, spectateur étonné,
Entrelacs de branches capricieuses avec ou sans couleur.

L'adage que nous entendions à l'époque
"ce n'est que dans la restriction que se révèle le maître"
me semble ici particulièrement approprié.
Mais à mon sens, il y a plus.
Et sans en faire une affirmation tranchée,
Je pense qu'il s'agit ici d'un choix explicite
Et tout à la fois non exclusif.
Car, outre les peintures qui sont en réalité
Des scènes en noir et blanc dessinées au pinceau,
L'artiste présente la couleur,
Portraits de sa fille
En trois teintes différentes
Et même une oeuvre abstraite dans des variétés de rouge.

Mais ce sont peut-être ses interprétations en noir et blanc
Qui nous frappent et nous intriguent le plus :
Enfants sur une balançoire, branches
De rosiers vues d'en haut,
Tel un enchevêtrement de lignes
À la fois ordonnées et biscornues,
Libres tout en obéissant à un agencement clair.

Heidi Wallaeys s'est nettement libérée
Des lois et des normes usuelles et évidentes.
Elle se place ainsi au-delà de toute classification
Dans un carcan fixe et rigide,
Lequel établit, par exemple, la différence
Apparemment naturelle entre dessins et peintures.
Son choix qui, en y regardant de plus près,
Présente tout de même une grande diversité,
Semble essentiellement s'expliquer
Par une réponse spontanée au besoin
De fixer ce qui la fascine
Et ce qu'elle interprète directement de manière imagée.
En premier lieu les arbres, semble t-il,
Et les plantes, ainsi que les animaux de tous les jours.

Mais au-delà de la thématique,
La pensée aussi a son importance.
Elle est empreinte de simplicité
Et de ce que Fernand Bonneure décrit
Comme une poésie qui évoque plus qu'elle ne montre.
Dans notre vision des arts plastiques,
Nous sommes pour la plupart très largement
Influencés et charmés par ce qui relève de l'expressivité,
D'une exubérance de grâce, de couleur et de peinture,
Et un certain étonnement
Voire même le désarroi peuvent naître
Lorsque nous sommes confrontés, par exemple,
À une toile dans laquelle le linéaire prime et
Dont la peinture est totalement absente.
Il faut s'y accoutumer,
Mais cela fait naître une conscience autre,
Innovante dans une certaine mesure.

En limitant les moyens, on atteint souvent
Un degré d'expression beaucoup plus élevé
Et cela vaut non seulement pour l'art plastique,
Mais aussi pour la structure sociale dans son ensemble.
C'est là un autre problème.
Heidi Wallaeys nous fait réfléchir
-même si c'est inconscient-
au superflu et à l'essentiel,
à un sensationnalisme prononcé
qui afflige notre langage imagé actuel
et au rayonnement ou à l'impact de l'image
qui ne doit pas toujours être bouleversante,
agressive ou dérangeante pour exprimer son rôle plastique.

Et c'est là un des mérites de l'artiste :
Solliciter une attention
Pour l'esthétique des choses du quotidien,
En magnifiant la simplicitè de manière simple,
Par une ligne pure,
Un langage suggestif des formes
Et une rythmique qui est le propre de la poèsie sans fard.


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